Comment composer une oeuvre. Bases de la musique

Comment composer une oeuvre. Bases de la musique

Créer de la musique ou de la composition est un processus créatif qui devrait être basé sur la théorie de la musique. La structure du travail a une logique de construction claire. Certains chefs-d'œuvre de classiques du monde sont calculés mathématiquement. Pas par hasard dans la Grèce antique, la musique faisait partie de nombreuses sciences mathématiques.

Une idée fausse, c'est que les grands compositeurs ont composé leurs propres œuvres sous l'influence de l'inspiration. Les génies de la musique: Bach, Haydn, Beethoven, Mahler, Rachmaninov ont consacré du temps à la composition chaque jour.

Cette page aidera le musicien à apprendre non seulement à créer une musique professionnelle, mais également à comprendre la terminologie de base, en particulier, utilisée dans l’analyse. Les programmes nécessaires à la dactylographie des partitions seront démontés, des exercices de maîtrise de la technique de composition seront proposés et un plan expliquant comment composer un morceau de musique.

De quoi est faite la musique?

Grosso modo, la musique est une séquence de sons à un certain rythme, qui a une coloration émotionnelle. Le plus souvent, le travail contient les éléments suivants:

  • Mélodie

  • L'harmonie

  • Formulaire

Considérez chaque concept plus en détail.

Qu'est-ce qu'une mélodie?

La mélodie est une pensée musicale monophonique. Il y a des recommandations concernant la structure de la ligne mélodique:

  • Principe d'équilibre Ne surchargez pas la ligne mélodique. Si vous voulez que l'auditeur se souvienne rapidement du contenu, vous devez respecter le principe de l'équilibre. Il consiste en la complémentarité du rythme et du système d'intonation. Si le modèle d'intonation comprend des éléments difficiles à percevoir, tels que des sauts à de grands intervalles, la présence de mélismatiques, des déviations ou des modulations, ainsi que d'autres facteurs de complication, utilisez un rythme simple. Si la mélodie de l'intonation est simple, un rythme plus complexe est enregistré.

  • Le principe de la vague mélodique. Mélodie parfaitement perçue, construite sur l'alternance de mouvements ascendants et descendants.

  • Unité d'intonation. Le thème musical peut contenir des intonations majeures (intervalles). Le Requiem de Mozart (Lacrimosa), thème principal de la première partie du concerto pour piano n ° 2 de Rachmaninov, est un exemple frappant d'œuvres inspirées d'une seconde intonation.

Il est à noter que la mélodie ne doit pas nécessairement être interprétée dans les registres supérieurs, elle peut également l'être dans la basse ou une autre voix.

Pour écrire une mélodie vraiment expressive et belle, il vous faut:

  1. Présenter une image artistique qui doit être incarnée dans la musique. Posez-vous des questions: composition instrumentale ou vocale? Quel personnage? Toutes ces questions détermineront les moyens d'expression. Dans l'une des sections de l'article, les moyens d'expression sont examinés en détail.
  2. Improviser Jouez plus et écoutez. Beaucoup de musiciens trouvent une excellente ligne mélodique juste avec l'improvisation. Les options les plus intéressantes peuvent ne pas apparaître immédiatement.
  3. Si l'improvisation est difficile, essayez alors de composer spécialement quelques mélodies de couleurs émotionnelles similaires. Enregistrez-les soit sur un magnétophone ou dans un cahier.
  4. Changement Prenez un thème spécifique de votre composition, essayez d’y changer quelque chose, par exemple une note, un fragment ou une clé. Ecoute, c'est devenu meilleur.
  5. Analyser d'autres travaux. Notez le moyen d'expression utilisé par le compositeur dans les mélodies que vous aimez. Cela aidera à comprendre ce qui sonne bien et ce qui est mauvais.

Si vous créez une œuvre classique, la mélodie doit être développée. Il y a plusieurs manières de développement mélodique:

  1. Le développement vous permet de diviser le thème et de le séquencer (Séquence - répétition cohérente de matériel musical à un niveau de hauteur différent.)
  2. Polyphonique implique l'utilisation de l'imitation canonique.
  3. Variationnelle permet de légers changements dans la mélodie, tout en préservant l'harmonie et la forme d'origine.
  4. La méthode variante est basée non seulement sur le changement de mélodie, mais aussi sur l’harmonie et, par conséquent, sur la forme qui unit la structure de l’intonation.
  5. La transformation du genre implique un changement du genre sous-jacent. Par exemple, le thème était un genre-ménage et est devenu une chorale.

Avec la complication du tissu musical a permis la combinaison de manières de développement. En musique instrumentale, les arpèges, les passages et autres mouvements de formes générales peuvent être utilisés comme développement matériel, ce qui permettra de diversifier la composition.

L'harmonie

Harmony vous permet de combiner des sons en consonance, qui forment à leur tour une séquence. Les accords dans ce sens sont représentés par des intervalles et des accords. Les tournants le plus souvent harmoniques dans la composition sont caractéristiques de l'accompagnement.

En termes simples, l'accompagnement est un accompagnement d'une mélodie. La texture est définie comme un espace rempli de sons ayant un développement. Il existe plusieurs types de facturation dans l'accompagnement:

  1. Corde La base des accords de texture dans la présentation rythmique.
  2. Les chiffres. Il existe des harmoniques - en jouant des sons d’accord de manière cohérente et des figurations mélodiques - en jouant séquentiellement des sons d’accord avec l’ajout de sons non d’accord.
  3. Albertiev basse décomposé de manière rythmique uniformément. Dans certains cas, perçu comme une voix cachée à deux voix.
  4. Polyphonic ou polyphonic a plusieurs voix relativement indépendantes.

Il est conseillé de prescrire des révolutions harmoniques juste après la mélodie, sous la forme d'appareils photo numériques. Il est important de rappeler que les styles historiques spécifiques sont caractérisés par leur propre élan. Historiquement, cette science comportait plusieurs domaines:

  • Baroque

  • Classique

  • Romantique

  • Impressionniste

  • Jazz

  • Moderne

Chaque zone a un certain nombre de règles qu'il est recommandé de ne pas modifier si vous écrivez dans ce style.

La forme et le rôle des répétitions

Assurez-vous de respecter le formulaire. Sans cela, la pièce va s'effondrer. Pour chaque type de travail, il existe une certaine forme. Le monde de la musique moderne propose une variété de formes, à la fois vocales et instrumentales. Les modèles les plus courants sont:

  • Un simple en deux parties est constitué de deux sections internes, tandis que dans la seconde partie, un petit fragment de la première est répété, ce qui se développe différemment.

  • Un repurse simple en trois parties (da capo) se compose de trois parties. Dans ce cas, le second contraste avec le premier, le troisième est une répétition du premier.

  • Sonata est basée sur le contraste tonal des thèmes d’exposition structurellement conçus, le développement est effectué dans la section conception et les thèmes sont combinés dans une reprise.

  • Variations - un modèle construit sur un changement multiple du thème d'origine.

  • Le vers et le refrain sont utilisés dans la musique vocale.

La synthèse entre les formes est autorisée..

N'ayez pas peur de former des répétitions. La pensée d’une personne absorbe mieux les informations répétitives. Dans la musique classique, vous pouvez trouver une utilisation similaire des répétitions:

  • Le leitmotif est utilisé pour des œuvres symphoniques ou théâtrales au drame prononcé.

  • Leitteme est un sujet agissant en tant qu'acteur.

  • Formes répétitives caractéristiques de certains modèles de compositeurs.

Dans la musique populaire contemporaine, les compositeurs utilisent aussi activement les répétitions. Ainsi, le choeur enregistre musique et texte. Dans les versets, seuls les mots changent. La musique électronique est également remplie de répétitions, un exemple est la composition utilisant des échantillons.

Drame

La musique fait référence à un certain nombre d'arts qui devraient susciter une réaction émotionnelle de la part de l'auditeur. Sinon, la composition musicale ne sera pas populaire. Lors de la composition d'une chanson, il est important de rappeler le rôle de la dramaturgie. Il existe plusieurs options pour un développement spectaculaire:

  1. Le concept tragique a un conflit

  2. Les paroles contemplatives n'ont pas de conflit, les principes esthétiques prévalent.

Chacune de ces options comporte d'innombrables sous-catégories, nous ne les détaillerons donc pas en détail. Il est important de comprendre que dans les deux cas, il doit y avoir un point culminant. Il existe plusieurs variétés de climax, en fonction de leur emplacement dans la composition:

  1. La source principale est au début. Caractéristique pour les œuvres lyriques.

  2. Le milieu ou à la pointe de la section dorée est le plus populaire dans les œuvres de romantiques, il vous permet donc de créer une atmosphère de tension.

  3. L'horizon supérieur est à la fin de la pièce. Laisse à l'auditeur un sentiment de sous-estimation, d'inachèvement. Il a un fort effet émotionnel.

Dans un morceau de musique, le point culminant est accompagné des caractéristiques suivantes:

  • Expansion de la plage mélodique (généralement le son le plus élevé de l’ensemble de l’œuvre)

  • Sceau de facture

  • Augmentation de la dynamique

Le compositeur doit nécessairement penser aux points culminants. Dans un travail, il peut y avoir plusieurs points culminants. Si un essai comprend plusieurs instruments, du point de vue de l'art dramatique, il est nécessaire de les introduire progressivement pour ne pas surcharger la texture.

Moyens d'expression

Le côté contenu de la composition permet de personnaliser les moyens d’expression. Ceux-ci comprennent:

  • La tonalité influence fortement le travail, certaines tonalités de la musique classique ont leur propre signification. Par exemple: Des-dur est une expression du véritable amour.

  • Garçon Les plus courantes sont les majeures, utilisées pour exprimer des images plus claires et lyriques, et les mineures avec une teinte plus dramatique.

  • La présence de melismatika ou son absence.

  • L'inclusion de symboles musicaux. Particulièrement caractéristique des compositions de style baroque.

  • Timbres instrumentaux. Chaque timbre a sa propre couleur et gamme dans laquelle il sonne le plus efficacement.

Lors de la composition d'une œuvre, il est nécessaire d'expérimenter des moyens d'expression, en modifiant la tonalité, le mode, en ajoutant ou en supprimant du mélisme.

Exercice

Il existe un certain nombre d'exercices et de tâches pour vous aider à maîtriser la composition:

  1. Analyse des œuvres d'autres compositeurs. Avant de rédiger une œuvre dans un style particulier, vous devez examiner comment les professionnels le font. Choisissez vous-même les techniques les plus efficaces et essayez de les mettre en pratique.

  2. Choisissez un texte ou un poème avec une coloration émotionnelle brillante. Analyser. Essayez d'improviser, en recréant l'atmosphère dans le texte. La même chose peut être faite en utilisant des images artistiques en peinture.

  3. Choisissez une forme spécifique et essayez de l'écrire en utilisant toutes les règles.

  4. Jouez des gammes, des passages, des accords, essayez de moduler. Toutes les compétences pratiques seront sûrement utiles lors de la composition.

  5. Être engagé dans la sélection d'autres œuvres musicales, cela vous donnera une base pour la formation d'une oreille musicale, ainsi que pour améliorer la technique de jeu de l'instrument.

  6. Améliorez votre connaissance de la théorie musicale.

Programmes pour l'ensemble de notes lors de la composition de compositions musicales

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  • Mises à jour constantes

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MuseScore 2 présente des fonctionnalités similaires.


Remarque: dans de nombreux éditeurs de musique modernes, il existe une fonction permettant d'écouter le texte reçu. De plus, vous pouvez enregistrer le fichier en tant qu'enregistrement audio dans différents formats. Le seul inconvénient de ces enregistrements audio est la qualité médiocre du son, qui ne transmet pas le timbre. Ainsi, si l'auteur souhaite obtenir une qualité sonore optimale, vous devez utiliser un logiciel d'enregistrement spécialisé, tel que FL Studio 12, Mixcraft 8 ou Audacity. L'enregistrement peut être effectué à la fois sur des instruments virtuels et à l'aide d'un clavier MIDI.

Résumé: plan de composition

Musique instrumentale:

  1. Improvisation et composition de la mélodie;
  2. Analyse de la nature de la mélodie;
  3. Le choix d'une forme musicale capable d'exprimer le caractère d'une mélodie;
  4. Développement dramatique: points culminants;
  5. Extraire la vitesse harmonique dans la facture sélectionnée. Si nécessaire, l'inclusion des déviations, des modulations;
  6. Organiser ou donner des instructions (au besoin);
  7. Un regard critique sur le travail;
  8. Réglage (si nécessaire).

Musique vocale:

  1. Le choix d'un poème ou d'un texte;
  2. Le choix de la forme musicale;
  3. Analyse de l'humeur du texte;
  4. Définition des climax dans le texte;
  5. Écrire une mélodie vocale;
  6. Créer un plan harmonique approximatif;
  7. Le choix de la texture qui correspond au contenu;
  8. Extrait des moments culminants en musique;
  9. Au besoin arrangement;
  10. Vue critique (lecture de la piste après un certain temps);
  11. Ajustement.

J'espère que l'article vous a aidé à comprendre comment composer un morceau de musique. L'essayer Améliorez vos compétences en composition. Cherchez un style individuel. Nous vous souhaitons un succès créatif!

Regarde la vidéo: Comment composer une musique inspirée (Octobre 2019).

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