Dans cet article, nous parlerons de la préparation d'une leçon de spécialité dans une école de musique et de ce que l'enseignant attend d'un élève lorsqu'il définit l'analyse d'une tâche musicale.
Alors, qu'est-ce que cela signifie de composer un morceau de musique? Cela signifie commencer à jouer tranquillement sans hésitation. Pour cela, bien sûr, il ne suffit pas de lire la pièce une fois, en lisant sur la feuille, il faut travailler à travers quelque chose. Comment ça commence?
Étape 1. Connaissance préliminaire
Tout d’abord, nous devons, d’une manière générale, nous familiariser avec la composition à jouer. Habituellement, les étudiants considèrent d’abord les pages - c’est drôle, mais en revanche, c’est une approche professionnelle du travail. Donc, si vous êtes habitué à compter les pages - considérez, mais la connaissance initiale ne se limite pas à cela.
En feuilletant les notes, vous pouvez voir en même temps s'il y a des répétitions dans le travail (la notation musicale est semblable au fait qu'au tout début). En règle générale, les répétitions se produisent dans la plupart des jeux, bien qu'elles ne soient pas toujours immédiatement perceptibles. Si nous savons qu'il y a une répétition dans la pièce, notre vie devient plus facile et notre humeur s'améliore sensiblement. Ceci, bien sûr, une blague! Votre humeur devrait toujours être bonne!
Étape 2. Déterminez l'ambiance, l'image et le genre
Ensuite, vous devez faire particulièrement attention au nom, prénom de l'auteur. Et pas besoin de rire maintenant! Malheureusement, trop de jeunes musiciens tombent dans la stupeur quand on leur demande de nommer ce qu'ils jouent. Non, ils disent que c'est une soi-disant étude, sonate ou pièce de théâtre. Mais après tout, les sonates, etudes et pièces de théâtre sont écrites par certains compositeurs, et même ces sonates, études avec pièces ont parfois des en-têtes.
Et comme titre, nous, musiciens, disons que la musique est cachée derrière le texte musical. Par exemple, par nom, nous pouvons déterminer l’ambiance de base, son thème et son contenu figuratif et artistique. Dites, par les noms "Pluie d'automne" et "Fleurs sur la clairière", nous comprenons que nous avons un travail sur la nature. Mais si la pièce s'appelle "Cavalier" ou "Snow Maiden", il y a clairement une sorte de portrait musical.
Parfois, le titre contient souvent une indication d'un genre musical. Vous pouvez lire sur les genres plus en détail dans l'article «Principaux genres musicaux», et répondez à présent: mars des soldats et valse lyrique - ce n'est pas la même musique, n'est-ce pas?
La marche et la valse ne sont que des exemples de genres (d'ailleurs, la sonate et l'étude sont aussi des genres) avec leurs caractéristiques propres. Vous avez probablement une bonne idée de la différence entre la musique de mars et la valse. Ainsi, sans même jouer une seule note, en lisant correctement le nom, vous pouvez déjà dire quelque chose sur le morceau que vous allez jouer.
Afin de déterminer plus précisément la nature de l’œuvre musicale et son humeur, de ressentir certaines caractéristiques du genre, il est recommandé de rechercher l’enregistrement de cette musique et de l’écouter avec les notes entre les mains ou sans elles. En même temps, apprenez comment le jeu doit sonner.
Étape 3. Analyse élémentaire du texte musical
Tout est simple Voici trois choses de base qu'il faut toujours faire: regardez les clés; identifier la clé par des signes clés; regardez les indications de rythme et de taille.
Simplement, il y a de tels amateurs, même parmi les professionnels expérimentés, qui lisent tous les deux de la feuille, ils filent tout, mais ils ne voient que les notes, sans prêter attention aux touches ni aux signes ... Et puis ils se demandent pourquoi ils ont les doigts ne sortent pas de belles mélodies, mais une sorte de cacophonie solide. Tu ne le fais pas, d'accord?
Soit dit en passant, déterminer la clé à l'aide des signes clés peut vous aider, d'une part, à acquérir votre propre connaissance de la théorie musicale et votre expérience de la solfège, et, d'autre part, à utiliser des aide-mémoire utiles tels qu'un quart de quart ou un thermomètre à tonalité. Passons à autre chose.
Étape 4. Jouer le jeu à partir de la feuille comme on peut
Je répète - vous jouez comme vous pouvez, depuis la feuille, tout est droit avec deux mains (si vous êtes pianiste). L'essentiel est d'arriver au bout sans rien rater. Laissez-y des erreurs, des pauses, des répétitions et autres accrocs, votre objectif - jouez bêtement toutes les notes.
C'est un rite magique! L’affaire sera sûrement couronnée de succès, mais le succès ne commencera qu’après que vous aurez joué tout le jeu du début à la fin, même si vous y parvenez moche. Ne vous inquiétez pas, la deuxième fois sera mieux!
Il est impératif de perdre du début à la fin, mais ne vous attardez pas dessus, comme le font la plupart des étudiants. Ces "apprentis" pensent qu'une fois le jeu terminé, tout semble avoir été démonté. Rien comme ça! Bien qu'il y ait un sentiment, même à partir d'une répétition d'un patient, il est nécessaire de comprendre que c'est là que commence le travail principal.
Étape 5. Déterminez le type de facture et apprenez le travail par partie
La texture est une façon de présenter le travail. Cette question est déjà purement technique. Lorsque nous nous sommes sentis avec les stylos, il nous est apparu évident que de telles complexités sont associées à la texture.
Types de texture courants: polyphoniques (polyphonie - c’est terriblement difficile, vous devrez jouer non seulement avec des mains individuelles, mais aussi pour apprendre chaque voix séparément); accord (les accords doivent également être enseignés, surtout s'ils sont rapides); des passages (par exemple, dans un croquis, des gammes rapides ou des arpèges - nous examinons également chaque passage séparément); mélodie + accompagnement (il va sans dire que nous apprenons la mélodie séparément, l’accompagnement quel qu’il soit - nous examinons également séparément).
Ne négligez jamais le jeu avec des mains individuelles. Jouer séparément avec votre main droite et séparément avec votre main gauche (encore une fois, si vous êtes pianiste) est très important. Un bon résultat ne donne-t-il que lorsque nous travaillons sur les détails?
Étape 6. Doigté et exercices techniques
C’est déjà sans cela qu’une analyse «moyenne» normale d’une œuvre musicale dans une spécialité n’est jamais faite sans doigté. Placez immédiatement les doigts droits (ne vous laissez pas tenter). Un doigté approprié aide à mémoriser le texte plus rapidement et à jouer avec moins d'arrêts.
Nous définissons les doigts corrects pour tous les endroits difficiles - en particulier les séquences de type gamma et arpège. Ici, il est important de comprendre simplement le principe - comment le passage est arrangé (en fonction des sons de quelle échelle ou en fonction des sons de quel accord - par exemple, en fonction des sons de la triade). Ensuite, tout le passage doit être divisé en segments (chaque segment - avant de déplacer le premier doigt, si nous parlons du piano) et apprendre à voir ces segments-positions sur le clavier. Au fait, le texte est plus facile à retenir!
Oui, qu'est-ce que nous sommes tous des pianistes? Et les autres musiciens doivent faire quelque chose comme ça. Par exemple, les membres du clergé utilisent souvent des jeux d'imitation dans leurs cours: ils apprennent à doigter, appuient sur les bonnes valves au bon moment, sans souffler d'air dans l'embout de leur instrument. Cela aide beaucoup de faire face aux difficultés techniques. Néanmoins, un jeu rapide et propre doit être élaboré.
Étape 7. Travaillez sur le rythme
Eh bien, il est impossible de jouer une pièce au mauvais rythme - l’enseignant maudira quand même, si vous voulez, vous ne voulez pas, et vous devrez apprendre à jouer correctement. Nous pouvons vous conseiller les méthodes suivantes: - jouer avec la partition à voix haute (comme en première année - cela aide toujours); jouez avec le métronome (définissez-vous une grille rythmique et n'en déviez pas); choisissez vous-même un petit pouls rythmique (par exemple, huitième - ta-ta, ou seize - ta-ta-ta-ta) et jouez le jeu en entier avec la sensation que cette impulsion la pénètre, qu'elle remplit toutes les notes, dont la durée supérieure à cette unité sélectionnée; jouer avec l'attribution d'une part importante; jouez, en vous étirant un peu, comme un élastique, la dernière part; Ne soyez pas paresseux pour calculer toutes sortes de triolets, rythmes en pointillés et syncopes.
Étape 8. Travaillez sur la mélodie et le phrasé
La mélodie doit être jouée de manière expressive. Si la mélodie vous semble étrange (dans les œuvres de certains compositeurs du XXe siècle), ce n'est pas grave, vous devriez l'aimer et en faire des bonbons. Elle est belle - juste inhabituelle.
Il est important que vous jouiez une mélodie non pas comme un ensemble de sons, mais comme une mélodie, c’est-à-dire comme une séquence de phrases significatives. Voyez s'il y a des ligues de phrasé dans le texte - nous pouvons souvent trouver le début et la fin d'une phrase par eux, bien que si vous avez une bonne oreille, vous pouvez facilement les identifier par votre oreille.
Il pourrait y avoir beaucoup plus à dire ici, mais vous savez parfaitement que les phrases dans la musique sont comme parler à des gens. Question et réponse, question et répétition de question, question sans réponse, histoire d’une personne, exhortations et excuses, un court «non» et un «oui» verbeux - tout cela se trouve dans de nombreuses œuvres musicales (s’ils ont une mélodie). Votre tâche est de résoudre ce que le compositeur a mis dans le texte musical de son travail.
Étape 9. Assembler la pièce
Trop d'étapes et de tâches. En fait, et bien sûr, vous le savez, il n'y a pas de limite à l'amélioration ... Mais à un moment donné, vous devez mettre un terme. Si vous avez au moins un peu travaillé sur la pièce avant de l'amener en classe, tant mieux.
La tâche principale de l'analyse d'un morceau de musique est d'apprendre à le jouer de manière consécutive. Votre dernière étape consiste donc toujours à saisir la pièce, à la jouer du début à la fin.
Donc! Quelques fois de plus, nous perdons tout le travail du début à la fin! Avez-vous remarqué qu'il est beaucoup plus facile de jouer maintenant? Donc, votre objectif est atteint. Peut être porté en classe!
Étape 10. Voltige aérienne
Deux variantes de la voltige aérienne pour cette tâche: premièrement - apprendre le texte par cœur (inutile de penser que cela n’est pas réel, car c’est réel) - et la seconde - de déterminer la forme de l’œuvre. Un formulaire est un appareil de travail. Nous avons un article séparé consacré aux formes principales - "Les formes les plus courantes d'œuvres musicales".
Il est particulièrement utile de travailler précisément sur le formulaire si vous jouez une sonate. Pourquoi Parce que dans la forme sonate, il y a la partie principale et la partie secondaire - deux sphères figurées dans une même œuvre. Vous devez apprendre à les trouver, à identifier leurs débuts et leurs fins et à relier la conduite de chacun d'eux à l'exposition et à la reprise.
Il est également toujours utile de diviser le développement ou la partie centrale d'une pièce en plusieurs parties. Disons qu'il peut être composé de deux ou trois sections, construites selon des principes différents: l'une peut avoir une nouvelle mélodie, une autre peut développer des mélodies déjà retenties, la troisième peut être entièrement composée d'échelles et d'arpèges, etc.
Nous avons donc considéré un problème tel que l’analyse d’une œuvre musicale dans le plan de représentation. Pour plus de commodité, nous avons imaginé le processus dans son ensemble en 10 étapes. Le prochain article traitera également du sujet de l'analyse musicale, mais d'une manière différente - en préparation d'une leçon de littérature musicale.
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